C'était Marie Antoinette avec Natacha Régnier

Natacha Régnier dans C'était
Marie-Antoinette. Crédits photo : AFP

AFP/PASCAL GUYOT

Scène Lyrique C’était Marie-Antoinette
Montpellier: Une reine et ses musiciens



Montpellier. Opéra Comédie. 30-VII-2009. Evelyne
Lever : C’était Marie-Antoinette, spectacle d’après une idée
originale de Jean-Paul Scarpitta. Conception, mise en scène et décors :
Jean-Paul Scarpitta ; costumes, coiffures et maquillage : Milena
Canonero ; lumières : Georg Veit. Avec : Natacha Régnier,
Marie-Antoinette ; Sonya Yoncheva, soprano ; Stéphanie d’Oustrac,
mezzo-soprano ; Manuel Nuñez Camelino, ténor ; Ivan Geissler,
baryton. Ensemble Vocal du Festival de Radio-France (chef de chœur :
Hervé Niquet), Europa Galante, direction : Fabio Biondi« La singularité de son destin, sa violence ont fait entrer
Marie-Antoinette dans la légende dès qu’elle gravit les marches de
l’échafaud. » C’est de ce mythe que part l’historienne Evelyne Lever, pour le
livret du spectacle C’était Marie-Antoinette, présenté à l’Opéra Comédie
de Montpellier dans le cadre du Festival de Radio France. L’ouverture la montre
la nuit précédant sa mort : « Je vous dis adieu, vous qui portez maintenant ma
légende. Mais laissez-moi vous confier ma vérité… » Il s’agit ensuite d’une
succession chronologique de tableaux et d’un long monologue – les interventions
des autres comédiens sont très limitées et Louis XVI absent. Ainsi, autour de ce
personnage pivot qu’est la reine, au jeu souvent facial et au centre de la
scène, s’agitent des courtisans presque interchangeables, les seuls personnages
vraiment identifiables étant le comte Axel de Fersen et le surintendant des
Menus-Plaisirs, M. Papillon de la Ferté. Natacha Régnier se glisse avec aisance
dans les costumes de la reine, sans toutefois la faire véritablement évoluer
entre 1770 et 1793. Les tableaux sont entrecoupés d’extraits musicaux, et c’est
là toute la cohérence d’un spectacle qui dessine le portrait d’une reine à
travers ses goûts. Ne dit-on pas souvent que le style Louis XVI devrait être
rebaptisé « style Marie-Antoinette » tant la souveraine faisait et défaisait les
modes ? Sur la scène de l’Opéra Comédie, ce sont, plus que les couleurs qu’elle
lancait ou les coiffures de Rose Bertin qu’elle adorait, ses musiciens préférés
qui nous révèlent une reine. En 1774, c’est grâce à l’appui de la Dauphine que
Gluck triomphe avec son Iphigénie en Aulide. Plus tard, Marie-Antoinette
soutint Sacchini, et n’améliora pas en cela sa réputation auprès du peuple qui
préfèrait Grétry et croyait antinomiques les goûts de la cour et de la ville.
L’air de Didon (extrait de la tragédie lyrique éponyme de Piccinni) « Ah ! Que
je fus bien inspirée quand je vous reçus dans ma cour » devient ainsi par
exemple une rêverie où Fersen tient le rôle d’Enée et Marie-Antoinette celui de
Didon, séparés par un rideau de scène reproduisant l’esquisse de Pierre-Adrien
Pâris « Trône pour l’Opéra de Didon dans le Palais de Zelisca ». La mise en
scène de Jean-Paul Scarpitta n’est pas sans rappeler l’esthétique de son superbe
Don Giovanni, qui, des toiles peintes à la direction d’acteurs,
présente un XVIIIe siècle épuré et élégant – des mots qui caractérisent aussi le
travail de Milena Canonero pour des costumes inspirés des sources
iconographiques mais vivants pour le théâtre et non lourdes reconstitutions.



Outre le destin de Marie-Antoinette, le spectacle de
Jean-Paul Scarpitta nous fait découvrir l’opéra tel qu’il pouvait être
représenté à l’époque de la jeune reine amoureuse des arts. Un premier plan de
décor représente un cadre de scène, inspiré du petit Théâtre de la reine à
Trianon, avec son rideau bleu incrusté d’or et ses deux grandes torchères. Dans
ce cadre où peuvent prendre place les opéras, le décor est fait de nuages
représentés par trois plans de décors, sous la forme de gros cumulus menaçants,
peints en grisaille, comme la représentation du trouble d’Iphigénie ou
d’Hypermnestre. La tragédie lyrique de Rameau à Salieri est ainsi introduite de
façon passionnante, d’un point de vue théâtral comme le reflet des affects de la
reine et comme fil conducteur du spectacle et d’un point de vue musical en
plaçant ces extraits dans des décors et costumes proches de ceux de leur
création, ce que plus aucun metteur en scène ne se risquerait à faire
aujourd’hui, par peur du ridicule de la représentation d’une Antiquité fantasmée
par le XVIIIe siècle. Les solistes sont excellents, Stéphanie d’Oustrac et Sonya
Yoncheva rivalisant de justesse, de puissance et de musicalité, la première
s’affirmant comme l’une des meilleures héritières actuelles de Véronique Gens
quant à la déclamation, la seconde ravissant par une ligne de chant très sûre.
Un peu moins sollicités par la programmation musicale, Manuel Nuñez Camelino et
Ivan Geissler n’en font pas moins du bon travail. Fabio Biondi et son ensemble
font merveille dans ce répertoire, et l’ensemble vocal du festival ne pouvait
rêver meilleur chef de chœur qu’Hervé Niquet dans ces œuvres.